JAIM SOUTINE (1894-1943)

Pintor expresionista, nació en 1894 en Smilovitchi, una pequeña aldea a 20 Km. de la ciudad de Minsk, Lituania (entonces Rusia). De familia judía, fue el décimo de once hermanos de una familia económicamente bastante pobre, su padre era un modesto sastre en la aldea natal. Le gustaba pintar desde joven (desde los 13 años), pero su familia quería que fuera sastre. Como continuamente le ridiculizaban para que no pintara, se iba al bosque a pintar y sólo volvía cuando estaba hambriento.

A los 15 años (en 1909) estudia un curso de pintura. A los 16 años (en 1910) estudió arte durante tres años en la Escuela de Bellas Artes de Vilna. Posteriormente, en 1913 (a los 19 años) y habiendo ahorrado algún dinero, deja Vilna y saca un billete de tren a Francia y se fue a vivir en “La Ruche” (un edificio construido para Exposiciones y que luego se convirtió en un estudio de artistas). Allí estaban Chagal, Léger, Kisling y Modigliani entre otros. Era un lugar donde vivían y trabajaban. Estuvo viviendo allí seis años y se hizo muy amigo de Modigliani. En París pasó mucha pobreza sobre todo durante los primeros años, ello le afectó mucho, tanto a susalud física como psicológicamente. Tuvo trabajos esporádicos como portero en una estación de ferrocarril y otros del mismo tenor. En “La Ruche” pintó muchos retratos de artistas y refugiados políticos.

Encontró un prototipo para la distorsión de la forma en El Greco, a quien consideró un gran maestro y a quien estudió mucho. En muchos de sus retratos se observa esta distorsión, pero a diferencia de El Greco, Soutine incorpora elementos grotescos, casi cómicos, del mundo del terror con humor. Estuvo recibiendo clases de Cormon, quien unas décadas antes había enseñado pintura a Van Gogh y a Tolouse-Lautrec.

Otros pintores que influyeron en Soutine, fueron Rembrandt, Van Gogh, Cezanne (rompiendo la forma en planos y aplanando la figura), Bonnard (que le enseñó a dar consistencia al cuadro, a dar pinceladas fuertes, con mucho peso y propósito).

Se traslada luego a Ceret (en los Pirineos franceses) donde permaneció tres años aproximadamente y donde pintó muchos paisajes y algunos retratos.  El poeta Sborowsky le hacía llegar una ayuda menguada y discontinua. Después de la muerte de Modigliani en 1922 volvió a París con 200 telas, lleno de dudas sobre su obra y decidido a destruirlas. Sborowsky consiguió salvarlas de ser quemadas, arrancándoselas literalmente de las manos, telas que provocaron sensación en el ambiente de París y que en gran parte pasaron a Estados Unidos, al ser adquiridas por el Dr. Barnes, el famoso coleccionista de Filadelfia

  (De Kooning dijo de sus retratos “Soutine distorsiona las pinturas pero no a las personas”). Sus paisajes se fueron haciendo cada vez más violentos y convulsivos. Durante su estancia en Ceret tiende a pintar hacia lo abstracto, siempre metido en un estilo expresionista. Pintaba con mucha emoción, era muy intenso y vigoroso. Se le ha considerado el precursor del Expresionismo Abstracto Americano. Su pintura destaca por su enorme vitalidad. La pincelada de Soutine no suele ser una línea sino un brochazo ancho, puesto de una forma muy sentida, con colores tumultuosos, gestuales. Es el “estilo de Ceret”. Tanto en el estilo de Ceret como en el de Cannes, la pincelada es violenta y las formas están agitadas. Posteriormente pinta de forma más controlada aunque siguen perteneciendo al expresionismo eslavo-judío.

En 1923-25 se encuentra entre París y Cannes. “El estilo de Cannes”  como se llamaba, se utiliza para distinguirlo del estilo que tomó en París. En Cannes, utilizó una paleta más brillante y más luminosa debido al clima veraniego. Son  característicos los paisajes de la ciudad vistos desde arriba, propios del estilo Cannes.

A los 28-29 años (1922 -23) Soutine es descubierto por un coleccionista americano que le compra muchos cuadros y empieza a tener una buena reputación y vive bien económicamente. A partir de 1923 se comenzaron a vender sus cuadros y a partir de aquí dejó de preocuparse por el tema económico.

Su vida sentimental es bastante discreta y oculta. A los 31 años (1925) va a Amsterdam y quedó fascinado por Rembrandt. Durante estos años conoce a Debora Melnik con quién según parece se casaron (boda religiosa) y tuvieron una hija. El niega la paternidad y deja a la madre con la niña. Durante los años siguientes (1930-35) estuvo influido por Rembrandt, Corot y Courbet (se inspira en Courbet para sus estudios de animales).

A los 36 años, (en 1930) el rasgo característico de sus cuadros es la tristeza y comienza su atracción por los cuadros de Courbet. Sus modelos están en el suelo y los paisajes son más tranquilos. Existe una mayor distancia entre el pintor y el tema a pintar.

Entre 1931-35 su producción disminuye mucho. Le costaba mucho inspirarse, estaba continuamente buscando el paisaje o el modelo adecuado. Cada vez tenía más ataques de úlcera, estos eran fuertes y dolorosos, frecuentemente tenía indigestiones. 

A los 46 años, (1940) le presentan a Marie-Berthe Aurenche, ex mujer de Max Ernst y que pronto se convirtió en su compañera.

Durante  la ocupación alemana, Soutine tuvo que dejar París. En 1943 sufre un grave ataque de úlcera. Para no ser detectado por los alemanes, toma un camino alternativo a París, llegando  24 horas más tarde de lo previsto. Se le diagnostica úlcera perforada con hemorragia interna. Fue operado muriendo durante la operación en 1943 en París. (Al velatorio acuden Pablo Picaso y Max Jacob entre otros).

Fuente: Rossana Graciela Romero Thais

ANÁLISIS DE OBRAS

Temas tratados en sus obras:

Naturaleza Muerta:

Tenía una obsesión por la comida por 2 motivos: hambre que pasaba y la úlcera que tenía.
Soutine pinta la comida como algo que le causa un enorme placer pero también como algo que le produce dolor.

 En  París también pasó hambre y además tuvo úlceras de estómago que le afectaron mucho a lo largo de su vida causándole finalmente la muerte. Aun cuando económicamente estaba mejor su enfermedad le impedía comer algo que le gustaba mucho.  Las  comidas que pintaba eran la carne y pescado, alimentos prohibidos para él. Casi todas sus obras de naturaleza muerta estaban relacionadas con este tema. Por otra parte la comida jugaba un papel importante en la familia y en la religión. También en el judaísmo existe una relación entre la comida y la muerte (el animal debe ser matado

Entre 1925-29 estuvo en París y pintó principalmente naturalezas muertas: animales muertos, conejos, pescado y también. La naturaleza muerta era principalmente comida. En estos cuadros hay que destacar la textura, el pigmento y el color más variado que utiliza un poco reflejo de la mortalidad humana.  Esta percepción de la carne y de la piel estuvo influida por la admiración que tenía de otros artistas como Rembrandt y Chardin. (“Rembrandts Beef”) “Buey desollado”.  Soutine pinta algo parecido pero centrando su cuadro sólo en la carne y eliminando el entorno. Pinta la carne muy de cerca del observador.

Paisajes

Soutine se  identificaba mucho con el motivo que va a pintar, por eso a la hora de pintar paisajes le gustaba salir al exterior, a pintar fuera de su estudio, le gustaba introducirse más en la luz, el espacio y la atmósfera, de ser otro elemento más del paisaje, una parte de lo que pinta. Así se caracterizan los paisajes que pintó entre 1919-1922 en Céret (en los Pirinéos Franceses). Sus paisajes se conocían como el “Estilo de Céret”: son paisajes inestables, vibrantes, con movimiento, como terremotos.

El espacio está muy comprimido, las formas se aplanan, se fusiona una forma con otra así como el espacio delante y del fondo. Los elementos están unidos entre sí. Todo ello produce como una única forma en el lienzo compuesta de varias formas unidas. En Ceret son paisajes bidimensionales.
Luego durante el periodo de Cannes, el “Estilo de Cannes”, Soutine resalta la identidad de los objetos (en Céret las formas se fusionaban unas con otras) ahora separa un objeto de otro. Resalta el objeto como una identidad (como una autonomía). En Cannes los paisajes son más abiertos y luminosos.

La composición en sus naturalezas muertas, retratos y paisajes más tardíos se refiere a un sólo objeto central que envuelve al paisaje de Céret. También comienza a estabilizar las formas, ya no tienen tanto movimiento.

Retratos

Soutine  pintó muchos retratos a lo largo de toda su vida. Retrató a pasteleros, sobrela por esa razón “El Pastelero”, cocineros y camareros en relación a su profunda obsesión con la comida.
Los retratos son normalmente de frente. Habitualmente  pintaba la figura  de cerca y para que saliera la cabeza normalmente de frente. En muchos retratos, las figuras están mirando de frente y atraen la atención del espectador aunque aparentemente son indiferentes al artista.
Los retratos son pintados con cierto aire primitivo,  debido a la influencia que tuvo de Modigliani. Sus retratos se parecían mucho a la persona retratada. En sus autorretratos nunca se pintaba las manos. Este es un hecho importante porque daba gran importancia a las manos en los retratos de otras personas. Las manos de Soutine eran delgadas y delicadas e impresionaban a aquellos que le conocían. Modigliani hizo muchos retratos a Soutine y  le retrató con las manos.

Entre 1923-28, le empezaron a atraer las personas uniformadas porque deseaba esconder la individualidad del retratado, despersonalizandolo y reduciéndolo al anonimato, ej. botones, camareros o niños del coro. Retrataba sobre todo a seres social y físicamente marginales.
Nunca pintaba desnudos, solamente lo hizo una vez con una modelo profesional. En esta ocasión la modelo aparece con una pose tímida que realmente refleja el malestar del artista al pintarla.
Si no les gustaban sus cuadros los destruía. A veces ponía varios cuadros suyos en el suelo (como si fuera una exhibición), los estudiaba durante horas y con un cuchillo rompía los que no le gustaban. También lo destruía si alguien hacía algún comentario de que no era muy bueno de un cuadro suyo o si le decían que le recordaban a otro pintor. Así destruyó gran número de sus cuadros.  A los que  se hallaban estaban en manos de marchands o de otras personas, se los cambiaba por otro cuadro suyo para poder destruirlo.  En otras ocasiones recortaba la parte del lienzo  que le gustaba.

Comentarios

Soutine es un personaje peculiar de la pintura expresionista, teniendo en cuenta que su niñez se vio afectada por la pobreza extrema. Esta etapa de su niñez y adolescencia debió perjudicarlo psicológicamente, ya que como él, son pocos los artistas que terminaron destruyendo sus propias obras.

Su primera formación artística la recibe en un taller de Minsk, ingresando en 1910 en la École des Beaux – Arts de Vilna.

Debido a que su desarrollo se da en los años en los que hace estallar un expresionismo muy radical y de una turbulencia emocional extrema, es justificable la manera en la que pinta, teniendo en cuenta que los años veinte se caracterizan por obras de figuras grotescas y distorsionadas que rozan el desprecio, y que intentan mostrar rasgos psicológicos.

Fue gracias al coleccionista norteamericano A. Barnes, que sus obras salen del anonimato permitiéndole abandonar el mundo de pobreza y gozando de una buena reputación.

Las pocas obras que quedan de él, se reducen a temas de naturaleza muerta, paisajes y retratos, sobretodos éstos, de personas que pertenecen a bajo niveles sociales, como “La cocinera”, “Botones”, etc.

*El drama de las formas consiste para Soutine en que ellas se encuentran perennemente en vías de descomposición. En el interior del mundo ve Soutine un fermento que trabaja para destruir la apacible realidad que nos rodea.

Pero lo extraordinario, al observar los cuadros de Soutine, es que de esa misma descomposición, que parecería tender al aniquilamiento, surge una poderosa dinámica, un elemento vital que las reanima. De las carnes en putrefacción brotan colores resplandecientes y maravillosos elementos vitales y fuertes que estaban apagados.

Del drama de la desintegración surge con violencia, con más fuerza que nunca, una nueva vida.
Eso nos enseña el arte apasionado de Soutine, arte en el que se mezclan la angustia y la desesperación con el deseo de vivir, arte que se hunde en la carroña para hacer brotar de allí los esplendores mágicos de un mundo vigoroso de ensueño, arte de protesta y rebelión que se agita explotando de furor frente a los ojos del espectador.

 Estallidos de color maravillosos que parecen incendiar las formas.*.

Fuente: Los judíos y el arte moderno. Por Aldo Pellegrini)

CONCLUSIONES

El expresionismo es un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés.

Se da entre los años 1905 y 1914, se caracteriza porque la pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior.

Existieron dos escuelas importantes de este estilo y se caracterizaron por la forma de usar los colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en “Die Brücke” y de forma más meditada en “Der Blaue Reiter”).

Recibió influencia de otros pintores como Rembrant, Van Gohg, Cezanne, Bonnard, etc. Pinta con mucha emoción, intensidad y vigorosidad, tanto así que le considera como precursor del Expresionismo Abstracto Americano.

Casi a los 30 años es descubierto por un coleccionista y su situación económica cambia rotundamente y se hace acreedor a una buena reputación Algunos de sus cuadros de caracterizan por la tristeza, y es que le costaba mucho inspirarse.

Se vio afectado por la ocupación alemana y tuvo que huir de Paris.

Muere en 1943, víctima de una úlcera perforada con hemorragia interna.

Salvador Benmergui

Bibliografía

Libros:
H.W. Jonson – Historia general del Arte – Vol IV: El mundo moderno. Madrid: Alianza editorial, 1991. p.
Los judíos y el arte moderno Por Aldo Pellegrini

Web:
http://www.artehistoria.com
http://www.imageandart.com
http://es.wikipedia.org
http://www.elricondelvago.com
http://www.epdlp.com/
http:// www.geocity.com
http://www.goethe.de